Безупречная красота классики

Бхарата Натьям

Бхарата Натьям считается древнейшим из классических танцев Индии, он возник около 2000 лет назад на территории современного штата Тамил Наду. Поэтому многое, сказанное об истории танцев, характерно и для истории стиля Бхарата Натьям. Несмотря на древность, нынешний вариант окончательно сформировался только около 200 лет назад, благодаря знаменитым наттуванарам (учителям) из Таджора. Четыре брата: Чинниах, Пон-ниах, Вадивелу и Шиванандан создали репертуар Бхарата Натьям и ту форму для представлений на сцене из программных семи танцев, которую мы можем видеть и по сей день.

Итак, в начале программы обязательно исполняется танец-вступление (например, Пушпанджали). Потом следует технический танец для разогрева — Алариппу, затем Джатисварам, где переплетаются мелодия (ноты — свары) и ритмические части (джати). Варнам соединяет смысловые и технические (абстрактные) части и может длиться до 40 и более минут, после чего исполняют Падамы, где изображаются прекрасные стихи, а также Джавал-ли, чувственный, нежный танец, и в конце — Тиллана, показывающий техническое мастерство танцовщицы. В завершение танцовщица выражает почтение музыкантам и зрителям, а также сцене, и это называется Мангалам.

Бхарата Натьям исполняется в позиции араманди, когда в полуприседе стопы и колени развернуты в стороны. Руки могут быть параллельны сцене, могут двигаться в разных направлениях; кисти же всегда находятся в разных специальных жестах (хастах). Базис хореографии составляет адаву-система совместных движений рук, ног, шеи, головы, глаз под определенный ритм.

В смысловом танце каждый жест обладает значением, и, искусно употребляя выразительные жесты, позы, мимику и эмоции, танцовщица телом рассказывает текст, который поется.

Помимо демонстрации, танцовщица должна также учиться петь и произносить ритмический рисунок танца, отбивая ритм тарелочками — это называется нату-вангам. Бхарата Натьям исполняют как женщины, так и мужчины. Предпочтение отдают, в основном, сольным выступлениям, хотя встречаются и групповые.

Катхак

Истоки Катхака лежат в традиции путешествующих (в основном, на севере Индии и в центральной части) рассказчиков — менестрелей, которых называли катха-вачака. Они переезжали из деревни в деревню и пели, прославляя Бога, танцевали, кружась и воздев руки кверху, словно во время молитвы или поклонения. Позже их стали приглашать в царские дворы, и танец перерос в выступления для элиты и высоких чинов.

Начиная с Х века, северную часть Индии стали завоевывать мусульмане, поэтому царские дворы оказались под влиянием Мугхалов, и Катхак стал развиваться больше как камерное искусство, принадлежащее двору. Так сформировалось два основных направления, школы (гхараны) Катхака: Лакноу, находившаяся под влиянием культуры Авадх, и Джайпур, практикующая Брадж-культуру, или культуру поклонения Кришне.

Лакноу гхарана сконцентрировалась на экспрессивности танца, его утонченности и неуловимости, а Джаяпур гхарана — на работе стоп, ловкости и техническом совершенствовании. Обе школы внесли огромный вклад в развитие Катхака. Теперь уже трудно разграничить эти две, а также другие, менее известные школы, такие как Бенарес или Джанаки Прасад гхарану: они отличаются в основном в базисе стиля.

Катхак исполняется почти на прямых ногах, в отличие от других стилей, позиция стоп — пятки рядом, а носки стоп разведены в стороны в виде латинской буквы «V». В этом положении танцор виртуозно отбивает огромное количество ритмических циклов, повторяя ударный инструмент. Руки движутся плавно и легко в разных направлениях, жесты рук приближаются к естественным, жизненным. Глаза, брови и мимика в целом создают прекрасный образ, соответствующий музыкальному аккомпанементу. Также исполняются головокружительные пируэты (от 3 до 36), а местами танцовщица замирает, давая возможность зрителю мысленно продолжить тему. Вообще, своеобразный разговор со зрителем до сих пор остается традицией в Катхаке.

Катхакали

Стиль Катхакали — возник в Керале, объединив несколько разных традиций, существовавших в этом регионе:

• Кудийаттам, самая ранняя форма санскритского театра, представляемая Чакья-рами;

• ритуалы, такие, как изображение богини Бхагвати или Кали через представления;

• представления Кришнаттам, показываемые во время празднований в храме Гурувайур;

• другие традиции, такие как Мудиетту и Раманаттам, олицетворяющие победу правды над ложью, героизм, торжество лучших качеств и божественной справедливости и т.д.

Во времена царствования Тампурам из Коттаям известный ученый и поэт по имени Коттаятх Тампурам создал представления Кришнаттам и Раманаттам и написал 4 пьесы, основанные на эпизодах из эпоса Махабхарата. Эти пьесы проходили с большим успехом и потому были адаптированы для танцевального исполнения. Назывались они аттаратхи, или танцевальные истории. Вскоре пьесы Коттаятха Там-пурама стали называться катха (рассказы, истории) кали (пьеса, игра), т.е. Катхакали.

Катхакали — и танец, и театральное представление одновременно. Оно включает в себя стилизованную игру, закодированную в технических элементах, средствах и способе выражения. Некоторые сравнивают это искусство с японским театром Кабуки по внешнему способу представления и общей стилистике, хотя по содержанию это совершенно разные традиции. Поскольку Катхакали по природе является групповым представлением, сольные партии в нем не прижились. Артисты Катхакали готовятся к представлению очень тщательно, зачастую более 5 часов. Само представление проходит поздно вечером и может продолжаться ночью, под свет масляной лампы, усиливающей выразительность образов и мимики. Изображается какой-либо тщательно проработанный эпизод или компонент истории, т.к. по своей природе Катхакали — это театр эпизодов. Исполнители этого стиля исключительно мужчины.

Кучипуди

Стиль Кучипуди получил название от деревни Кучелепура в штате Андхра Прадеш, где исполнялся раньше. Форма, которая существует сейчас, развилась из нескольких, существовавших и доминировавших до Сиддхендры Йоги, который в 17 веке вместе с группой мальчиков-брахманов разыграл необычное представление Па-риджатапараханам (Бхама Калапам). Необычно оно тем, что на написание пьесы Сиддхендру вдохновил сам Кришна. Согласно легенде, однажды Сиддхендра Йоги чуть не утонул, пересекая реку вплавь к дому своей невесты. Тогда он взмолился о помощи Кришне, пообещав, что, если Тот спасет его, он отречется от невесты и полностью посвятит себя служению Кришне. Что он и сделал после чудесного спасения и позже написал пьесу в честь Кришны, чтобы прославить Бога с помощью танца.

Но еще в 1502 году, задолго до Сиддхендры Йоги, группа актеров (мелам) исполнила пьесу-сказку об одном из наместников Виджаянагара. Его жестокость и мучения народа были показаны столь убедительно, что царь Виджаянагара приказал обез-главить того, о котором шла речь в пьесе. Актерами в той пьесе были только мужчины-брахманы. И когда в XVII веке Сиддхендра Йоги создал свою труппу, он восстановил ушедшую театральную традицию. В 1678 году Абул Хасан Танашахи, правитель Голконды, посмотрел представление и был тронут до глубины души. Он раздал участникам представления участки земли с деревнями с одной лишь просьбой — чтобы самые способные мальчики продолжали служить делу Кучипуди. Так искусство Кучипуди стало развиваться и позже распространилось и на другие районы штата.

Изначально Кучипуди исполняли только мальчики или мужчины, но затем всё изменилось, верх взяли женщины. Мальчиков обучали языкам — телугу и санскриту, теории танца, музыке и драме, особое внимание уделялось передаче эмоций мимикой во время пения. Как стиль, Кучи-пуди всегда больше означал танцевальный спектакль, чем сольное выступление, в которое он перерос сейчас. В репертуар входят пьесы на телугу и санскрите, даже чаще отрывки из них, а также стихи. Обычно на каждую роль есть постоянные актеры, а сам спектакль включает в себя абстрактные (орнаментальные), технические танцевальные композиции, перемежающиеся с драмой. Техника стиля Кучипуди подобна технике Бхарата Натьям. Также танцоры Кучипуди исполняют особые танцы: стоя на перевернутом горшке, номера с горшком, балансирующим на голове, или проделывают сложные степы, стоя на краях бронзовой тарелки.

Манипури

Этот стиль возник в штате Манипур и раньше назывался Джогаи, обозначая округлые движения. В древних текстах они сравнивются с движениями планет. На северо-востоке Индии расположена красивая долина, окруженная холмами. По легенде, Шива создал ее по просьбе своей супруги Парвати, которая, после того как увидела танец Кришны с гопи, захотела, чтобы Шива тоже танцевал с ней. И Шива сотворил новое место, где в буйстве зелени били чистейшие источники и текли ручьи.

Нагадева, царь змей, залил всю территорию светом драгоценных камней (мани) своего капюшона, и с тех пор это место стало известно как Манипур. Считается, что жители Манипура произошли от Гандхарвов, небесных обитателей, которые танцуют и поют для богов. Поэтому неудивительно, что танцы стали частью их жизни. Есть две категории жителей Манипура: те, кто живет в долине, как Мейтхеи, и обитатели холмов.

Говорится, что в XI веке принц Кхамба и принцесса Тхоиби воспроизвели танец Кришны и гопи, Раса-лилу, и он стал известен, как Лай Хараоба, ставший самым древним классическим танцем в стиле Манипури.

В XVIII веке, благодаря царю Памхеибе, которого также называли Гариб Наваз, «защитник бедных», в Манипуре утвердился вайшнавизм, и мейтхейская культура постепенно стала исчезать. Но внук Нава-за по имени Бхагьячандра начал активно возрождать танцы, и однажды к нему во сне пришел Сам Кришна и попросил организовать представление танца Раса (Раас). Так Раас стал групповым танцем и вошел в набор исполняемых, а Бхагья-чандра построил в каждом храме ната мандап — специальный павильон для танцев.

В Раасе главными героями являются Радха, Кришна и гопи. В Раас входит обычно 5 танцев: первые четыре посвящены сезонам года, а пятый является празднованием завершения годового цикла.

Мейтхейский танец Лай Хараоба исполняют избранные маибы и маиби (священнослужители и священнослужительницы) по особым религиозным и общественным праздникам в мае-июне. Представление происходит на открытом воздухе или на зеленой лужайке, где присутствует дух лесов. Мужчины одеты как воины, а женщины — как принцессы. Иногда в танец вплетают популярные мейтхейские легенды.

В Манипури очень мягкие, плавные, грациозные движения, иногда напоминающие кукольные. В основном, люди изображают в танце жизнь, которой они живут, и не создают спецэффектов, или шоу.

Мохиниаттам

Мохиниаттам — стиль, пришедший из штата Керала. В легенде говорится, что, когда полубоги и демоны пахтали молочный океан, они получили амриту — нектар бессмертия. Демоны обезумели и отобрали его у полубогов. Тогда вмешался Вишну и принял женскую форму, чтобы спасти мир и вернуть богам амриту. Эта прекрасная форма называлась Мохини Мурти, идеал самой привлекательной женщины. В конце концов демоны отдали амриту Мо-хини, она же поделила присутствующих на две группы (демонов и богов) и сначала дала богам нектар, таким образом обманув демонов. После этого Вишну принял свой изначальный образ. Но память об этой удивительной форме осталась и люди до сих пор прославляют Мохини Мурти. Так возник стиль Мохиниаттам — танцевальная форма, посвященная Ей.

Мохиниаттам, так же как и Бхарата Натьям, изначально пришел от девадаси, храмовых танцовщиц. Керала в то время уже имела свои танцевальные традиции, но их исполнителями являлись только мужчины, они же играли и женские роли. С появлением Мохиниаттама женщины смогли сами танцевать сольные танцы. Так получилось, что до 1930-х годов Мохи-ниаттам переживал некоторый застой, но потом, после основания Керала Кала Мандалам, центра обучения традиционным искусствам Кералы, танцы в стиле Мохиниаттам вновь стали популярны и получили развитие. С тех пор эта форма устоялась и утвердилась уже не только как традиционная, но и как классическая.

Базис представляет, как и в Бхарата Натьяме, систему движений, называемых адаву, четырех видов: Таганам, Джаганам, Дхаганам и Саммисрам. Эти адаву берутся из классификации вайттари. Как стиль в целом, Мохиниаттам очень лиричен, грациозен и медлителен. Он напоминает движения небесных нимф, плывущих по воздуху и заигрывающих друг с другом. Движения совершаются по траектории окружности, жесты рук выполняются медленно и мягко. Этот стиль показывает чувственность в самой эстетичной форме.

Одисси

Одисси — стиль, родиной которого является Орисса, штат на востоке Индии. Практика девадаси, храмовых танцовщиц, существовала также и в Ориссе, где их называли махари. Когда в XIIвеке к власти пришла династия Ганга, первый из царей этой династии, Чодагангадева, построил в 1144 году прекрасный храм Джаганнатхи и выделил для храмового служения 50 махари, а спустя 50 лет царем Анангаб-химадевой был построен специальный танцевальный зал, натья мандир, чтобы там под музыку танцевали махари.

Махари должны были придерживаться строгих правил и ограничений в жизни. Им не разрешалось выступать для публики, они танцевали только в храме, для Божества. Позже при дворе царей и для публики стали выступать готипуа — мальчики, одетые в женские костюмы. Они исполняли очень сложные танцы, требующие серьезной акробатической подготовки, напоминавшие цирковые номера. При этом их танцы были очень изящными и орнаментальными, и их нежный возраст обеспечивал легкость движений и гибкость, от них не ожидалось глубокого проникновения в эмоционально насыщенные части танца. Готипуа тоже танцевали для Божеств во время разных храмовых церемоний и фестивалей.

Позже в Одиссе неоднократно менялись религиозные правила и традиции, так как ее неоднократно завоевывали, стиль стал забываться, и к середине XX века немногие, танцевали Одисси. Из-за того, что репертуар махари и готипуа в чистом изначальном виде почти не сохранился, техника и репертуар были разработаны практически заново, а за основу кодификации взяты некоторые принципы преобладающего классического стиля Бхарата Натьям. В середине ХХ века Одисси был официально признан классическим стилем. В нем пересеклись и соединились две индийские музыкальные системы — северная, Хиндустани, и южная, Карнатик.

Поэтому музыка в Одисси особая: в ней нежность и сладость севера и пылкая страсть юга сплелись воедино.

Стиль Одисси очень лиричен, эмоционален и мягок. Это олицетворение любовной поэзии в движении. Все пропитано бхакти, или любовью и преданностью Богу. Чувственность Одисси предполагает выразительную мимику, красивые позы, изящные степы, грациозное исполнение. В Одисси две основные исходные позиции тела — чока и трибханга. Позиция чока похожа на позицию араманди в Бхарата Натьям, где в полуприсяде стопы и колени разведены в стороны, а руки, согнутые в локтях под прямым углом, разведены в стороны и параллельны полу. Движения, совершаемые из этой позиции, ритмичные и четкие. В позиции трибханга тело изогнуто в трех местах: в коленях, талии и шее. Таким образом, во время движений, исходящих из этой позиции, благодаря изломам создается впечатление волны, что смягчает четкие и ритмичные степы, придает движениям плавность и округлость.

Одисси предполагает сольное исполнение, хотя многие гуру и хореографы в течение последнего десятилетия с успехом ставят прекрасные групповые композиции.

Традиция и эксперименты

Традиционные индийские танцы вдохновляли и продолжают вдохновлять хореографов и танцоров всего мира. Некоторые прославленные балерины в свое время были очарованы искусством индийского танца. Так, еще в 1830 году Мари Таглиони танцевала «Ла Баядере», построенном на основе танцев девадаси, а одноименный балет 1906 года в исполнении Анны Павловой базировался на северно-индийских танцевальных традициях. Потом Вацлав Нижинский, в 1912 году, вдохновленный танцующим Кришной, исполнил потрясающий балет о Синем Боге «Le Diev Blue». И сейчас многие хореографы пытаются соединить различные виды западного танца с классическими или народными индийскими танцами. Такие эксперименты очень интересны, потому что позволяют иначе взглянуть на традиционное искусство. Это новое искусство синтезирования разных концептов, отличающихся и темой, и языком.

Также существуют и инновации в использовании непосредственно классического индийского танца: изменение тематики, сюжетов, трактовки. Танец адаптируется к современной жизни, так, например, он может уйти от мифологии и стать ближе к социальным проблемам, но при этом в нем сохраняется классический язык, техника, набор изобразительно-выразительных средств. Параллельно этому существует и развивается «креативный стиль» или «фристайл» («свободный стиль») индийского танца. Это новые творческие разработки, в которых тематика может оставаться индийской, как, например, сезоны года или религия, но сам язык танца и выразительные средства нельзя отнести четко к какой-либо классической форме. Такой стиль можно охарактеризовать как «модерн».

В начале ХХ века в Индию приехали американцы Тед Шон и Рут Сант Денис и вдохновили на эксперименты некоторых индийцев, в частности, Удай Шанкара (1900-1977), которого можно считать пионером «фристайла», балета или современного индийского танца «модерна». Выходец из Удайпура, один из четырех блистательных талантливых братьев, реализовавших себя в искусстве, в начале своего творческого пути он был художником и учился в Лондоне. Именно там он увлекся танцем и решил посвятить свою жизнь этому искусству.

Русская балерина Анна Павлова попросила его стать ее партнером в простых индийских композициях, которые снискали невероятный успех.

Вдохновленный Удай Шанкар по возвращении в Индию создал первую индийскую компанию, занимающуюся танцем. Ученики Удай Шанкара работали во «фристайле», и их можно назвать «первым призывом» индийского модерна. Смена же пришла в 1970-х годах. В 1977 году Сангит Натак Академи организовала первый балетный фестиваль под руководством Мохана Кхокара. Это было громким событием. Второй такой фестиваль состоялся в Германии в 1984-85-х годах.

В 80-е годы в танцы проникли социальные идеи, такие, как феминизм, а в 90-е мировой темой, словно мировой мантрой, стала природа. В последние годы на танцы сильно влияют рыночные тенденции, такие, как пища, мода и одежда. Они отодвигают важность искусства, в частности и танца, как бы на второй план. Рынок предполагает наличие хорошего продукта в красивой упаковке, который можно выгодно продать. Так, чтобы стать конкурентоспособным продуктом, к танцу прилагается своего рода упаковка из музыки, костюмов, грима, дизайна сцены, световой аранжировки и т.д.

На фоне других исполнителей привлекает внимание Дакша Шетх. Она изучала Катхак, Калари и Чхау, но потом создала свой уникальный язык и азбуку и работает в своем, особом формате. Другие современные звезды, выделяющиеся оригинальностью – это Адити Мангалдас, Шобха Джейсингх, Мадху Натарадж-Хери и Рамли Ибрагим.

Источник: nitai.ru